Yasujiro Ozu : ses meilleurs films et comment ils nous aident à comprendre le cinéma japonais

L’un des réalisateurs les plus influents au monde, les œuvres de Yasujiro Ozu sont toujours considérées comme faisant partie des meilleurs films jamais réalisés . Réalisateur prolifique durant les décennies qui ont précédé et suivi la Seconde Guerre mondiale, le travail d’Ozu est très distinct du cinéma hollywoodien conventionnel, tant par sa narration que par son montage et sa cinématographie.

EN RAPPORT:
Master Of Japanese Cinema : Les 5 Meilleurs Films D’Akira Kurosawa (5 Les Pires)

Le style d’Ozu est particulièrement connu pour son montage et son travail de caméra, qui contrastent fortement avec le style hollywoodien du montage en continuité. Ozu a déclaré à propos de son style : « J’ai formulé mon propre style de mise en scène dans ma propre tête, procédant sans aucune imitation inutile des autres … pour moi, il n’y avait pas de professeur. Je me suis entièrement reposé sur mes propres forces.

1. Le Chœur de Tokyo (1931)

Le premier film d’Ozu, Sword Of Penitence, est un film muet perdu sorti en 1927. Comme Le Chœur de Tokyo (Tokyo Chorus), le film partage son intrigue avec des films américains des années 1920, par exemple, le film muet de 1928, The Crowd, de King Vidor. Le film est également en partie basé sur plusieurs intrigues de la série de livres de Komatsu Kitamura, Shoshimin-Gai (Middle-Class Avenue) .

A propos du film, Ozu a déclaré : « J’en avais marre de l’échec, et j’ai décidé de faire un film dans une humeur nonchalante. » Le commentaire d’Ozu sur ses films est toujours celui de la spontanéité créative et de la simplicité. Cependant, Ozu était un réalisateur très soucieux du détail, comme cela est courant dans le cinéma japonais. Par exemple, les scènes de combat détaillées de Seven Samurai ont nécessité de nombreuses prises pour atteindre la perfection artistique.

2. Femmes et Voyous (1933)

Femmes et Voyous (Dragnet Girl) est une rupture avec le thème habituel d’Ozu de la famille, de la vie et de la simplicité. Un autre film muet, Femmes et Voyous (Dragnet Girl) fait partie du travail d’Ozu d’avant la Seconde Guerre mondiale qui reflétait une grande partie du cinéma américain de l’époque. C’est un film muet de gangsters sorti dans les années 30, à une époque où les films de gangsters étaient populaires en Amérique pendant la Grande Dépression. Comme la plupart des films de gangsters, le film présente le crime, la violence, la fuite de la loi, la passion et la séduction.

EN RAPPORT:
Le meilleur film d’horreur Japonais de chaque année des années 2000

Mais Ozu recommencerait immédiatement à faire des films dans son style habituel. Son prochain film, Passing Fancy, sorti la même année, revient sur les thèmes de la maison, de la famille et de l’identité japonaise traditionnelle. Pour illustrer ce changement, le protagoniste du film assiste à une représentation de « rokyoku » (musique folklorique japonaise) au début du film.

3. Qu’est-ce que la dame a oublié (1937)

De nombreux films d’Ozu capturent la lutte entre le passé et le futur, les vieux et les jeunes, la tradition et la progression. Ses films jouent souvent sur le conflit entre la jeune génération qui a soif de libération et la génération plus âgée qui a soif de stabilité.

À cette époque, Ozu était passé aux films sonores. Le Japon était également confronté à d’importants défis culturels alors que l’influence américaine atteignait les médias japonais et que les idéaux occidentaux attiraient la jeunesse japonaise. Qu’est-ce que la dame a oublié (What Did The Lady Forget) est l’un des premiers films d’Ozu à traiter d’une jeune femme libérée qui s’oppose à la tradition japonaise. Le travail d’Ozu peut parfois être lu comme féministe dans un pays qui a des idéaux patriarcaux ancrés dans le fondement de sa culture et de sa société.

4. Récit d’un propriétaire (1947)

Ozu n’a fait que deux films pendant la Seconde Guerre mondiale. Son premier film, après la fin de la guerre, raconte comment la guerre a ruiné l’enfance des enfants japonais à l’époque. Ozu filme affectueusement les enfants dans plusieurs de ses films, juxtaposant leur innocence à l’inhumanité et à l’égoïsme des adultes.

Ozu se concentre également sur l’amour parental et sa nature sacrificielle. Une intrigue courante dans ses films est le cercle de la vie, dans lequel les enfants finissent par quitter leurs parents, laissant les parents seuls au monde. En conséquence, la plupart des films d’Ozu sont doux-amers, reflétant la nature de la vie elle-même.

5. Printemps tardif (1949)

Co-écrit par le scénariste Kogo Noda, qui a collaboré avec Ozu sur plusieurs de ses films, Printemps tardif (Late Spring) est le premier de la « Trilogie Noriko » d’Ozu, qui met en scène une protagoniste féminine appelée « Noriko ». Bien que chaque Noriko soit un personnage différent, ils sont joués par le même acteur, Setsuko Hara. Le travail d’Ozu d’après-guerre appartient au genre Shomin-Geki, un mouvement réaliste du cinéma japonais qui se concentre sur le drame quotidien des Japonais de la classe moyenne inférieure.

EN RAPPORT:
Gore Japonais : Les 5 meilleurs et les 5 pires films de Takashi Miike, selon Rotten Tomatoes

Shomin-Geki a été lancé par Yasujiro Shimazu, pour qui Ozu travaillait auparavant comme assistant. Ozu utilise des plans longs et statiques, des plans d’oreiller et une intrigue très simpliste, toutes les conventions du genre.

6. Été précoce (1951)

Comme tous les réalisateurs Shomin-Geki des années 50 et 60, Ozu était fasciné par l’évolution du rôle des femmes dans le Japon d’après-guerre, et le déclin des valeurs familiales traditionnelles suite à l’influence de l’Occident, en particulier, la présence des forces alliées dans le Japon d’après-guerre. .

La Dame de Musashino de Kenji Mizoguchi, par exemple, traite du manque de moralité présent dans la nouvelle génération de la jeunesse japonaise. Au début de l’été , la protagoniste d’Ozu, Noriko, est une femme de 28 ans qui inquiète sa famille parce qu’elle n’est pas encore mariée. Ozu joue avec les aspects positifs et négatifs du mariage et du célibat dans le Japon d’après-guerre, à une époque où les femmes commençaient à avoir plus d’autonomie dans leur vie.

7. Tokyo Story (1953)

Considéré comme l’ un des meilleurs films jamais réalisés, Tokyo Story, le troisième de la trilogie Noriko, est également le film préféré d’Ozu. Tomi et Shukishi rendent visite à leurs enfants dans les villes d’Osaka et de Tokyo depuis leur petite ville rurale d’Onomichi, seulement pour être négligés par eux, car ils sont plus soucieux de gagner de l’argent. Le couple de personnes âgées signifie que le Japon rural est laissé pour compte par le Japon moderne et urbain, alors que les villes japonaises se sont précipitées vers les idéaux capitalistes occidentaux, sans se soucier de leur culture oubliée.

EN RAPPORT:
10 Meilleures émissions japonaises à diffuser sur Netflix

Le film est un triste regard sur la façon dont ceux qui restent doivent faire face à leur perte, leur solitude et leur déception. Selon les mots de Noriko : « Chacun doit d’abord s’occuper de sa propre vie. » Comme c’est son style, Ozu a méticuleusement planifié chaque plan d’un film sur la spontanéité de la vie.

8. Printemps précoce (1956)

Le capitalisme a apporté avec lui l’aliénation, l’isolement et le mécontentement du travailleur moderne. Chaplin a dépeint cette folie silencieuse, visuellement, dans Modern Times, et Ozu l’a dépeinte, thématiquement, dans Printemps précoce (Early Spring).

Autre rouage de la machine capitaliste, Shoji Sugiyama entame une liaison pour échapper à la monotonie insensée de sa vie. L’histoire est une histoire simple sur une liaison qui sépare presque un couple marié. Dans ses films, Ozu a décrit le mariage comme une tradition sacrée qui était souvent combattue par les forces sociétales qui l’entouraient. Le réalisateur a toujours pris soin de fixer les mariages dans ses films et avait clairement un faible pour l’institution elle-même, la considérant comme un grand fondement de la moralité au sein de la société japonaise.

9. Dernier Caprice (1961)

L’avant-dernier film d’Ozu, Dernier Caprice (The End Of Summer), faisait partie de ses films en couleur réalisés à la fin des années 50 et au début des années 60. Le film est une histoire sur la vie quotidienne d’une famille de trois générations à Kyoto. Le patriarche de la famille, Manbei Kohayagawa, a ravivé une liaison avec son ancienne maîtresse, dont la fille, Yuriko, peut être ou non son propre enfant.

Dans la vingtaine, Yuriko est très influencée par la culture américaine et préfère sortir avec de riches capitalistes américains qui peuvent se permettre de lui acheter des biens matériels. Elle néglige Manbei, sauf quand il promet de lui acheter des affaires. Manbei est un patriarche têtu qui refuse de changer ses façons de sauver sa famille, que ce soit émotionnellement ou financièrement. Dernier Caprice (The End Of Summer) contraste les côtés négatifs de la vie japonaise traditionnelle et moderne au cours de cette période.

10. Le Goût du saké (1962)

Un autre des films d’Ozu à être considéré comme un classique du cinéma, Un après-midi d’automne était également son dernier film avant son décès un an plus tard. Il met en vedette Chishu Ryu, qui a joué le rôle de père dans de nombreux films d’Ozu. Ryu incarne Shuhei, un père qui a égoïstement empêché sa fille de se marier pour prendre soin de lui.

Réalisant qu’il est de son devoir de trouver une épouse convenable pour sa fille, le film se termine avec Michiko quittant son père après son mariage, à ce moment-là, Shuhei affronte enfin sa peur d’être seul. Le film traite de la génération d’hommes japonais de la Seconde Guerre mondiale et des problèmes de société auxquels ils sont confrontés en vieillissant et en se retrouvant laissés pour compte.