Le réalisateur de comédie a un certain nombre de classiques à son actif, et voici chaque film de Judd Apatow classé du pire au meilleur. Après The King of Staten Island, Apatow a attendu quelques années avant de revenir sous les projecteurs pour créer le film The Bubble de 2022 pour Netflix. Il est clair que le temps passé par le réalisateur dans le verrouillage de COVID lui a donné beaucoup de nouvelles idées, car cela constitue la prémisse de son dernier film. À l’heure actuelle, il n’y a que sept longs métrages dans son répertoire, mais c’est une carrière illustre étant donné que Judd Apatow est un nom familier à l’arrière de ses comédies.

Il y a quinze ans, 40 ans Toujours Puceau (The 40-Year-Old Virgin) a établi Judd Apatow comme l’une des nouvelles voix passionnantes du cinéma – cela venant après qu’il ait déjà réalisé des épisodes de The Larry Sanders Show et de l’éphémère Freaks and Geeks avec Linda Cardellini, James Franco, et un jeune Seth Rogen. Apatow a ensuite créé la série Fox Undeclared mettant en vedette un pré-Sons of Anarchy Charlie Hunnam. Plus tard, lorsque 40 ans Toujours Puceau a bien performé au box-office et que Knocked Up est devenu un autre succès critique/commercial en 2007, Apatow semble être la « prochaine grande chose »dans le monde des comédies torrides mais poignantes. Au cours des 15 dernières années, l’approche thématique du réalisateur a évolué avec des productions destinées aux adultes comme Funny People et This Is 40.

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La liste suivante n’inclut pas les récents documentaires réalisés par Judd Apatow May It Last: A Portrait Of The Avett Brothers et The Zen Diaries of Garry Shandling. Au lieu de cela, l’accent est mis principalement sur ses sept fonctionnalités. Voici un classement complet des films de Judd Apatow du pire au meilleur.

The Bubble

La distribution d’ensemble exceptionnelle de The Bubble aurait dû pousser ce film de Judd Apatow plus haut dans la liste, mais le produit final n’a pas été à la hauteur. Mettant en vedette Karen Gillan, Fred Armisen et Keegan-Michael Key, The Bubble suit une équipe d’acteurs pendant la pandémie de COVID-19. Alors que les acteurs tentent de tourner le film d’action ridicule du réalisateur Darren Eigen (Armisen), un PA tombe avec Covid et la production est arrêtée. Tous les acteurs sont ensuite piégés dans un hôtel et le chaos s’ensuit alors qu’ils tentent de terminer le film. Des films comme Anchorman ont prouvé que le scénariste/réalisateur est capable de produire une satire réussie. The Bubble a coupé le vent de ce qui aurait pu être un bel ajout au sous-genre de la comédie. Le film de Judd Apatow manquait de l’esprit nécessaire pour délivrer n’importe quel type de message et l’intrigue capricieuse devenait floue à chaque minute qui passait.

Alors que le casting de The Bubble était le plus grand moment fort du film, bon nombre des meilleurs acteurs ont été gaspillés. Keegan-Michael Key a donné la meilleure performance comique de la distribution en tant que Sean Knox, et il n’a pas été assez présenté. Il en va de même pour Lauren Von Chance de Leslie Mann. La majeure partie du temps d’écran était consacrée à Carol Cobb (Karen Gillan), et son histoire personnelle est tombée à plat à certains moments. Il est étrange qu’un film de Judd Apatow manque de moments de rire, mais les gags étaient tous des punchlines et aucun gain (sauf la scène de l’hélicoptère). Il manquait également le message rédempteur d’Apatow qui donne généralement leur but à ses films torrides. The Bubble était censée être à propos d’un groupe d’acteurs gâtés piégés dans le verrouillage, et bien qu’il soit livré sur le principe, l’aspect satirique était mort à l’arrivée. Dans l’ensemble, le film rappelait la pandémie elle-même : sinueux et claustrophobe.

Trainwreck

Écrit par et interprété par Amy Schumer, le film de Judd Apatow Trainwreck ressemble à un faux pas dans l’œuvre du réalisateur. Sur le papier, le casting a du sens, car Schumer et sa co-vedette Bill Hader étaient des choix idéaux en fonction de la dynamique de leur industrie à l’époque. Mais alors que les premières comédies d’Apatow présentent une comédie de situation qui semble étrangement naturelle, une grande partie de l’humour de Trainwreck semble raide et maladroit, avec de nombreuses blagues en corrélation avec des tropes de genre joués. Il y a la séquence d’ouverture de la chambre avec le ronflement artificiel habituel; une occasion ratée d ‘« accrocher » efficacement le public. Accident ferroviaire présente une performance de soutien mémorable de l’icône de la NBA LeBron James, mais bon nombre de ses scènes se sentent également forcées de manière comique et impliquent qu’Apatow et sa société sont plus intéressés par les références de la culture pop accessibles que par la comédie pointue.

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Curieusement, Hader ne reçoit pas de matériel comique fort dans Trainwreck. Incarnant le Dr Aaron Conners, l’intérêt romantique d’Amy Townsend de Schumer, il ne s’éloigne jamais vraiment de l’archétype du Kind Doctor. Incidemment, Hader n’a pas le mystère de son personnage de Barry, et il ne donne pas non plus l’impression qu’il était autrefois un acteur hors pair de Saturday Night Live. Il est juste OK, un peu comme le scénario de ce film de Judd Apatow. Schumer donne également une performance décente, alourdie par des blagues douteuses sur la race et des scénarios plus mignons que comiques.

This Is 40

Avec This Is 40, Apatow a joué la sécurité en réalisant un spin-off Knocked Up. Le film de Judd Apatow met en vedette sa femme attachante Leslie Mann et le perpétuellement sympathique Paul Rudd, qui reprennent tous deux leurs rôles de parents toujours chamailleurs Debbie et Pete, respectivement. Apatow a lui-même écrit le scénario de This Is 40, donnant à l’histoire une sensation authentique avec une comédie qui semble organique. Il n’y a rien de mal en soi avec This Is 40 pendant les 90 premières minutes, mais Apatow essaie ensuite d’approfondir un peu plus avec un acte final qui est tout simplement trop long pour que Leslie Mann et l’acteur Paul Rudd puissent le porter.

Apatow relie sagement les problèmes personnels de Debbie et Pete à leurs parents. C’est toujours une bonne idée d’incorporer John Lithgow et Albert Brooks en tant que personnages qui animent des conversations régulières avec des one-liners et de la comédie physique. Mais bien que This Is 40 inclue des messages forts sur les traumatismes héréditaires et la psychologie familiale, Apatow, malheureusement, adopte une approche brutale, aboutissant à un acte final didactique. À un certain niveau, cela fonctionne pour la prémisse, mais Apatow semble également investi pour faire savoir au public qu’il grandit vraiment et apprend de précieuses leçons de vie. C’est bien, mais c’est quelque chose que le public peut saisir sans marteler le concept.

Funny People

Une autre production d’Apatow axée sur la nostalgie, Funny People met en vedette nul autre que l’ acteur de cinéma Adam Sandler dans une version fictive de lui-même. Le scénario, écrit uniquement par Apatow, répond à la palette comique de voix loufoques du Sandman et inclut des méta-références à son personnage de la culture pop. Fait intéressant, Apatow ajoute une intrigue secondaire sur le thème du cancer qui permet un commentaire émouvant sur l’héritage et permet également à la co-star Seth Rogen de montrer toutes ses compétences. Il existe une dynamique mentor-protégé distincte entre George Simmons (Sandler) et Ira Wright (Rogen), et le film réussit finalement en se concentrant fortement sur leur relation de concessions mutuelles.

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Le film de Judd Apatow Funny People fournit au public un commentaire intelligent sur le circuit de la comédie stand-up, tout en ajoutant des couches supplémentaires sur les relations interpersonnelles et la dynamique du pouvoir hollywoodien. Des acteurs de soutien comme l’acteur de Hulk Eric Bana et Jason Schwartzman de The French Dispatch donnent des portraits de personnages pointus, tandis que Mann s’en tient à sa marque habituelle de comédie passive-agressive en tant que Laura. Funny People est un coffre -fort film d’Apatow, mais qui prend des risques, aux bons endroits, avec des dialogues pointus et des thèmes existentiels. Que fait-on en acceptant une mort imminente et en apprenant ensuite que la vie continuera normalement ? Apatow n’implique pas qu’il a toutes les réponses, mais suggère plutôt que parfois vous avez juste besoin de vous taire, d’écouter les autres et de regarder de plus près qui vous voulez être.

40 ans Toujours Puceau

Pour les débuts d’Apatow, The 40-Year-Old Virgin, il a enrôlé Steve Carell comme co-scénariste et premier rôle excitant. Du début à la fin, il y a une doublure puissante dans chaque minute du film, Carell lui-même portant le scénario avec son timing comique impeccable et sa capacité à transmettre l’anxiété sociale dans presque toutes les situations. Avec ce rock narratif en place, les co-stars du film de Carell comme Seth Rogen et Rudd peuvent le jouer naturellement, sachant très bien qu’ils peuvent improviser et faire rebondir des blagues sur Carell.

À la base, cependant, The 40-Year-Old Virgin ne consiste pas à avoir des relations sexuelles – il s’agit de trouver le bon partenaire romantique avec qui avoir des relations sexuelles. En ce sens, Catherine Keener donne plus de profondeur au film, car son personnage Trish ne peut pas tout à fait comprendre Andy de Carell. Le message sous-jacent sur la communication honnête jette les bases de scénarios intelligents, notamment lorsqu’Andy tente de protéger son secret virginal lors d’une partie de cartes avec son collègue masculin, ou lorsque plusieurs des personnages secondaires se déchaînent au travail. En retournant le script sur la prémisse en demandant à Andy de faire semblant d’être un type Bro avide de sexe, The 40-Year-Old Virgin traite efficacement les idées fausses sur la façon dont les hommes et les femmes sont censés agir tout en poursuivant des relations. Et avec des performances de soutien d’actrices féminines comme la star de Hunger Games Elizabeth Banks, Leslie Mann, Jane Lynch et Kat Dennings, le film de Judd Apatow montre qu’il est intéressé à explorer différentes perspectives.

The King of Staten Island

Cinq ans après Trainwreck, Apatow est revenu en forme avec The King of Staten Island, un film qui privilégie l’histoire centrale aux gadgets de réalisateur et à la nostalgie. Pete Davidson dépeint une version fictive de lui-même en tant que Scott, un tatoueur en herbe qui ne peut tout simplement pas faire une pause – ou du moins c’est ce qu’il semble. Tout comme Funny People, c’est l’introspection du personnage central qui fonde le film, ce qui laisse Davidson couler ou nager avec sa performance principale. Heureusement pour le public, Davidson ne s’en tient pas au personnage de Millenial Stoner que l’interprète transmet sur Saturday Night Live mais embrasse à la place les aspects les plus sombres de son personnage, en particulier le fait qu’il ne peut pas se remettre de la mort de son père 17 ans auparavant. Scène par scène, Le roi de Staten Island déconstruit les mécanismes de défense du protagoniste, construisant une seconde moitié qui relève davantage de la psychologie des personnages que de la comédie traditionnelle.

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Et c’est ce qui rend The King of Staten Island si intrigant, car c’est sans doute le film d’Apatow le moins drôle. Le comédien de stand-up Bill Burr joue le rôle d’un pompier nommé Ray, et même il est plus investi dans une performance de personnage dramatique au lieu de se mêler à des jabs comiques en tant qu’ennemi devenu mentor de Scott. Dans la vraie vie, le père de Davidson est décédé le 11 septembre, mais le public n’a pas besoin de connaître cette information pour apprécier le film d’Apatow. Sans aucun contexte, l’histoire de King of Staten Island contient une étude de personnage opportune sur quelqu’un qui a désespérément besoin d’aide, mais ne comprend pas très bien comment le communiquer. Quand Scott arrête de jouer pour les autres et décharge juste ses sentiments intérieurs.

Knocked Up

Après 40 ans Toujours Puceau, Apatow a fait un grand pas en avant avec Knocked Up. Mettant en vedette Rogen et Katherine Heigl en tant que couple improbable, la comédie de 2007 maintient un équilibre comique et dramatique, et à travers l’objectif d’Américains dans la vingtaine. En tant que cinéaste, Apatow semble s’accrocher à ses jeunes années tout en réalisant que tout est sur le point de changer en devenant père. Il reconnaît ce concept à travers une intrigue secondaire impliquant sa propre femme et ses enfants (et à travers le personnage de Seth Rogen, bien sûr), tout en s’amusant avec le matériel Stoner qui est idéal pour son rôle principal masculin en tant que Ben Stone.

Knocked Up est un film complet de Judd Apatow. Le réalisateur accorde une attention particulière au ton, en particulier dans la façon dont il passe des blagues sexuelles aux conversations sur les conséquences du sexe. En tant que personnage, Ben ressemble un peu à Scott de King of Staten Island, sauf qu’il est beaucoup moins perspicace sur le monde qui l’entoure. En revanche, Alison de Heigl est incroyablement consciente d’elle-même en tant que personnalité de la télévision. En considérant une fois de plus différentes perspectives de genre, Judd Apatow fait de Knocked Up un film universellement relatable avec son message fondamental sur les relations et la parentalité. Le film de Katherine Heigl n’est pas une étude de caractère sur une personne en particulier, mais plutôt un commentaire culturel sur le changement. Et lorsque l’histoire s’éloigne de Ben et Alison, le casting de soutien A + prend continuellement le relais.

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